Ирвинг Берлин
Ирвинг Берлин
И́рвинг Берли́н (англ. Irving Berlin; наст. имя Израиль Моисеевич Бейлин; 11 мая 1888, Толочин (по некоторым сведениям — Тобольск), Российская империя — 22 сентября 1989, Нью-Йорк, США) — американский композитор еврейского происхождения, родившийся в Российской Империи. Прославился как автор эстрадных песен, особенно песни «Боже, благослови Америку», которая считается неофициальным гимном США.
Израиль Бейлин был младшим из восьмерых детей в семье синагогального кантора Моисея Бейлина (1848—1901) и Леи Липкиной (1850—1922), уроженцев Толочина Могилёвской губернии, теперь в Белоруссии. Старшие дети в семье родились в Толочине и самый старший брат будущего композитора оставался в городе после эмиграции остальных членов семьи. Иногда считается, что Ирвинг Берлин родился в Тюмени. В своих интервью 1930—1940 годов И. Берлин рассказывал, что появился на свет в Могилёве. Когда Стивен Спилберг в 1980-х годах задумал снимать фильм о И. Берлине и встречался по этому поводу с композитором, тот неожиданно рассказал, что на самом деле он родом из Тобольска.
Вскоре после рождения будущего композитора семья переехала в Тобольск. Оттуда Бейлины через порт Антверпена на корабле «Rhynland» отправились в Нью-Йорк, куда прибыли 14 сентября 1893 года.
Израиль Бейлин вырос на Манхэттене, в районе Нижнего Ист-Сайда (Lower East-Side), где в то время проживало много иммигрантов из Российской Империи и Восточной Европы. Рано оставшись без отца, проучившись в школе только 2 года, И. Бейлин пошёл работать. Будущий композитор успел поработать посыльным в лавке, разносчиком газет. В одном из кафе нью-йоркского Чайна-тауна заслужил репутацию «поющего официанта». По заказу хозяина кафе Бейлин написал свою первую песню, «Мэри из солнечной Италии». Гонорар автора составил 37 центов.
Систематического музыкального образования не получил. С 14 лет зарабатывал пением (на улице, в любительском хоре), самостоятельно освоил игру на фортепиано. В 1907 году Берлин решил издать песню, и наборщики в типографии по небрежности исказили имя заказчика. Благодаря этой ошибке Бейлин стал Берлиным.
Берлин был членом Масонского ордена. Посвящение прошёл 12 мая 1910 года. Состоял в ложе «Munn» № 190, Нью-Йорк. Получил американское гражданство в 1918.
Ирвинг Берлин умер во сне 22 сентября 1989 года. Экс-президент Рональд Рейган прислал на смерть композитора соболезнование, а действующий на тот момент президент Джордж Буш-старший на похоронной церемонии в Бостоне возглавил траурную колонну, певшую «God bless America», а затем выступил с речью, в которой назвал Берлина «легендарным человеком, чьи слова и музыка будут помогать пониманию истории нашего народа».
За свою жизнь Берлин создал полторы тысячи песен в самой разной стилистике — от песенок на идише, высмеивающих шаблонные представления об евреях, от подражаний афроамериканскому джазу и госпел, вплоть до гимнов, воспевающих традиционные «американские ценности» — верность семье, родной земле и т. д. Среди наиболее известных: «Alexanderʼs Ragtime Band» (1911), «Puttin' on the Ritz» («Одеваться как для „Рица“», из одноимённого фильма, 1930; с эффектным применением ложной полиметрии в припеве), «Cheek to cheek» («Щека к щеке»; из фильма «Цилиндр», 1935), «God bless America» («Боже, благослови Америку», 2-я редакция, 1938), «White Christmas» («Белое Рождество»; премия «Оскар», 1942). У афроамериканцев популярна песня «Suppertime» из мюзикла «As thousands cheer» («Тысячекратное ура», 1933) — плач жены о муже, которого линчевали белые. Стихи для своих песен Берлин сочинял сам (всего ок. 1200 стихотворений), в некоторых случаях (как в God bless America и Puttin' on the Ritz) редактировал тексты своих песен из идеологических соображений.
Патриотическая песня Берлина «Боже, благослови Америку» была написана в 1918 году (когда Берлин получил гражданство США) для бродвейского шоу «Гип-гип, Яфанк!», но автор посчитал её не соответствующей юмористическому направлению спектакля и премьера песни отсрочилась на 20 лет. В канун Второй мировой войны она неожиданно оказалась востребованной, приобрела надлежащее «патриотическое» звучание. Ещё одна чрезвычайно популярная песня Берлина «White Christmas» прозвучала впервые в 1942 году в фильме «„Холидэй Инн“» (гостиничный бренд) в исполнении Бинга Кросби. «White Christmas» вошла в Книгу рекордов Гиннесса как самая продаваемая песня XX века (более 30 миллионов пластинок). Ряд песен Берлин написал на идише (своём родном языке) в стиле, характерном для восточноевропейской еврейской музыки, в том числе, «Коган должен мне 97 долларов» (англ. заголовок песни — Cohen owes me 97 dollars). В 1929-50 написал музыку для 10 фильмов.
Творческая активность Берлина снизилась к 1950-м гг., после 1966 он перестал сочинять.
Ларри Риверс
Ларри Риверс
Риверс, Ларри (Rivers, Larry; до перемены имени и фамилии в 1940 г. Ицрох Лойза Гроссберг; 1923, Нью-Йорк, – 2002, Саутхемптон, США) - американский художник и музыкант.
Родился в семье иммигрантов из Украины. С детства учился музыке, в 1940 г. начал карьеру профессионального саксофониста.
В 1942 г. служил в военно-воздушных войсках американской армии.
В 1944–45 гг. занимался теорией музыки, выступал с известными джазовыми музыкантами, гастролировал с ними по Америке.
В 1945 г. начал рисовать, в 1948 г. поступил в Нью-Йоркский университет на отделение искусства.
Познакомился с художниками и поэтами — представителями новых направлений в искусстве: В. де Кунингом, Дж. Поллоком, Ф. О’Хара и др.
Риверс много путешествовал по Европе, в 1976 г. посетил Советский Союз, где выступал с лекциями и снял фильм.
Персональные выставки Риверса проходили в Нью-Йорке (1951–63, 1985), Чикаго (1970), Каракасе (1980), Берлине (1980–81) и др.
Творчество Риверса необычайно разносторонне. Деятельность профессионального джазового музыканта повлияла на его занятие изобразительным искусством, способствовала появлению в его живописи и графике особой ритмической структуры.
Риверс прошел период различных художественных влияний, которые впоследствии составили основу его собственного стиля: он увлекался Г. Курбе, Дж. Поллоком, Х. Сутином, творчеством постимпрессионистов, прежде всего П. Боннара (под его влиянием написаны картины «Интерьер, женщина за столом», 1948, коллекция П. Купер, Нью-Йорк; «Купальщики по Сезанну», 1952, собственность автора), и абстрактным экспрессионизмом («Две позирующие женщины», 1952, собственность автора).
Соединение различных стилей отразилось в работе Риверса «Двойной портрет Берди» (1955, Музей Уитни, Нью-Йорк).
В 1953 г. Риверс написал картину «Вашингтон, переправляющийся через Делавэр» (Музей современного искусства, Нью-Йорк), где использовал технику живописи абстрактного экспрессионизма и принцип монтажа; соединение в изображении исторического события клише официальной мифологии и фольклорных мотивов придало этой работе иронический смысл.
Произведения Риверса строились на переосмыслении банального, на сочетании разнородных элементов и техник («Голландские мастера и сигары II», 1964, коллекция Абрамс, Нью-Йорк; «Мне нравится Олимпия в черном обличье», 1970, Центр Помпиду, Париж). В 1959 г. Риверс начал живописную серию, основанную на фотографиях ветеранов гражданской войны в США и ее атрибутах («Последние минуты и смерть ветерана», 1961, коллекция Е. Макграс, Нью-Йорк), в 1960 г. — серию с изображением игральных карт, сигаретных пачек, банковских чеков и другой коммерческой печатной продукции («Меню бара Седар I», 1960, собственность автора).
Риверс стал одним из первых американских художников, использовавших готовые формы (так называемые реди-мейд) и подготовивших почву для поп-арта.
Иронический подтекст, который присутствует и в небольших работах, и в монументальных конструкциях Риверса на исторические темы, создается сопоставлением хрестоматийных образов — цитат; этот монтаж тщательно продуман, но выглядит как хаотический набор случайных ассоциаций («История русской революции: от Маркса до Маяковского», 1965, Музей Хиршорн, Вашингтон).
Основной принцип Риверса — монтажность композиции — сохранялся и в последующие годы, хотя живописная манера менялась: в триптихе «История маццы (История еврейского народа)» (1982, коллекция С. и Дж. Х. Лориа, Нью-Йорк) выстроено единое пространство, на котором главные персонажи возникают, как миражи.
С начала 1960-х гг. Риверс занимался скульптурой («Части тела», 1962, собственность автора), книжной иллюстрацией (книга «Осел и любимчик» Т. Саутерна).
Риверс участвовал в оформлении театральных спектаклей («Царь Эдип» И. Стравинского, 1966, «Метрополитен-опера», Нью-Йорк), а с 1970 г. начал снимать видеофильмы.
Леонид Утесов
ЛЕОНИД УТЁСОВ
Лазарь Вайсбейн, которого сегодня весь мир знает как Леонида Утёсова, стал больше, чем просто эстрадный певец. Его можно назвать частью жизни нескольких поколений, а творческая жизнь Утесова длилась почти семьдесят лет. Его пение слышали абсолютно все, от мала до велика.
Леонид Утёсов был поразительно разносторонним артистом, он блестяще проявил себя и в кино, и в театре. Однако более всего Утесова увлекала песня, но не обычная эстрадная. Каждая его песня была маленькой пьесой. Утёсов наполнял пением практически все свои выступления, в том числе спектакли, оперетты. Он также много выступал с куплетами, получившими особую популярность. За свою жизнь Леонид Утёсов сыграл сотни ролей. Более семисот песен были не просто спеты, а блестяще сыграны артистом!
Любимым детищем Утесова стал созданный им «Теа-джаз», удивительный оркестр, соединивший в себе и музыку, и театр. Именно со времени создания «Теа-джаза» Утесов стал большую часть своего времени заниматься пением.
В 1934 году кинорежиссер Григорий Александров снимает фильм, в котором полностью задействует утёсовский оркестр во главе самим Утесовым. Этот фильм получает название «Веселые ребята» и приносит Утёсову и его оркестру истинно всенародную популярность.
Прима Донна
Прима Донна
Устав продавать чужую одежду, она начала шить свою: сначала под руководством Анны Кляйн, потом – в доме моды имени себя. Придумав концепцию «семи простых вещей» и нарядив женщин в черные боди, Донна Каран легко заработала свои миллиарды.
Донна Айви Фаске родилась 2 октября 1948 года на окраине Манхэттена. Ее отец Габриэль, урожденный Самуил Фаскович, владел магазином мужской одежды, а мать Хелен была моделью и работала продавцом в Швейном квартале. Своего отца Донна помнит плохо – он погиб в автокатастрофе, когда ей не было еще и четырех лет, – но говорит, что «родители вышили ее будущее на подоле Нью-Йорка». С детства окруженная выкройками и эскизами костюмов, она рисовала свои первые коллекции ради забавы, не думая, что это может стать ее профессией.
В школу Донна ходила без особого удовольствия – с интересом посещала только курс по искусству, но вскоре, окончательно потеряв мотивацию к учебе, решила найти работу. «Я не относилась к моде с придыханием, но понимала, что нет смысла изучать 20 разных предметов, если интересует меня всего один», – объясняет Каран. Прибавив себе несколько лет, 14-летняя Донна устроилась продавцом одежды в Сидахерсте. «Торговать тем, что сделали другие, было скучно, я хотела видеть на прилавке одежду, созданную мной», – говорит дизайнер. Заручившись рекомендацией работодателя своей матери Честера Вайнберга, девушка поступила в школу дизайна Parsons, а по истечении двух лет решила: полученных знаний ей вполне хватит, чтобы покорить мир. «Это страшно – быть уверенным в чем-то, не имея на то реальных оснований. Но я упрямая, шла напролом, – рассказывает Донна. – Думаю, если бы во мне завелся жучок сомнения, что мои амбиции беспочвенны, сегодня обо мне никто не знал бы».
Уверенная в своем таланте, Донна стала работать внештатным дизайнером, и один из ее клиентов устроил девушке встречу с легендарной Анной Кляйн. «Когда я вошла в комнату, Анна решила, что я модель, – вспоминает Каран. – Я же попросила ее дать мне возможность стажироваться в качестве дизайнера, была готова рисовать совершенно бесплатно». В итоге амбициозную девушку, которая упорно стояла на своем, оставили поработать на лето. «В Parsons я уже не вернулась. Анна была не только дизайнером, но и фантастическим учителем. Секреты модной кухни, рассказанные ею, были куда полезнее курса лекций в институте», – рассказывает Каран.
Но вскоре Кляйн уволила ее. «Я многое делала неправильно, но думаю, Анна видела мой потенциал и просто хотела устроить мне проверку на прочность, – говорит Каран. – Я нашла другую компанию. Проработав там какое-то время, я вернулась к Кляйн и заявила, что теперь точно не подведу». В 1971 году Донна стала полноправным дизайнером модного дома. Тогда же она вышла замуж за Марка Карана, которого знала со школьных лет, и родила дочь Габриэль. Увы, брак Донны и Марка продлился всего несколько лет, но от своего первого мужа дизайнер получила фамилию, впоследствии ставшую ее визитной карточкой.
После смерти Анны Кляйн в 1974 году, Донна стала главным дизайнером бренда, а спустя год привела в компанию своего бывшего сокурсника Луи Дель Олио. У нее было чутье не только на моду, но и на людей: через два года Донна и Луи получили престижную премию Coty. Однако целью Каран было вовсе не почивать на лаврах – она хотела работать и получать стабильный результат. Так, в 1983 году она стала одним из первых дизайнеров, представивших коллекцию второй линии. Одежда Anne Klein II стоила на порядок дешевле и в считанные недели принесла компании большую прибыль, за что Донну вскоре зачислили в зал славы Coty. Взяв новую высоту в мире моды, Каран решила, что пришла пора менять и личную жизнь – в 1984 году она вышла замуж за скульптора Стивена Уайса.
Донна была счастливой женой и успешным дизайнером, но не могла отделаться от мысли, что ее коллекции все еще выходят под чужим именем. Заразившись идеей сделать собственный бренд, Каран встретилась с акционером модного дома Anne Klein Томио Таки, и тот помог ей запустить Donna Karan Co. Уже в 1985 году свет увидела первая коллекция бренда – Seven Easy Pieces, концепция которой заключалась в том, что мода должна быть простой и понятной. Показ открывали модели, одетые в черные боди и колготки, к которым затем прибавлялись другие предметы гардероба: универсальные юбки и брюки, рубашки и замшевые куртки. «Я хотела сказать, что одежда может работать на нас, а не наоборот, – рассказывает дизайнер. – В те годы женщины знали, как быстро накормить семью из пяти человек, но совершенно не умели сочетать вещи. Моя коллекция показала, что создание делового образа может быть очень простым».
Спустя три года Каран решила упростить одежду по максимуму: запустила линию DKNY и начала делать футболки с логотипом бренда, которые продавались комплектом по три штуки. «Мода всегда была объектом поклонения, – рассказывает дизайнер. – Но мне надоело служить морально устаревшему образу властной женщины. Я хотела делать удобную одежду для жизни». Следующие несколько лет Каран посвятила тому, чтобы расширять свой бренд. Помимо основных коллекций она стала выпускать мужскую и детскую одежду, аксессуары и духи, ввела моду на эластичные ткани.
В 1996 году компания DKNY стала открытым акционерным обществом, а спустя пять лет ее приобрел концерн LVMH, владелец таких торговых марок, как Louis Vuitton, Guerlain, Moët&Chandon и Hennessy. Компания выложила за бренд, где Каран по-прежнему оставалась главным дизайнером, круглую сумму, и к тому моменту дизайнер знала, куда она вложит эти деньги. «Мой муж семь лет боролся с раком легких, и мы понимали, что конец близок, – вспоминает Каран. – 10 июня 2001 года, когда он ушел, в моей голове уже была идея создания фонда, который будет ориентирован на лучшее, что мы можем взять из прошлого и настоящего в будущее».
В 2007 году Каран, которая после смерти Стива стала активно заниматься йогой, основала фонд Urban Zen. «Я подумала, что прошлое – это наша культура, настоящее – здоровье, а будущее – образование. На эти три вещи и был мой ориентир», – говорит Донна. Делая акцент на развитии здравоохранения, Каран стала инициатором появления курса «Восточное оздоровление» в Медицинском центре Рональда Рейгана в Лос-Анджелесе и пожертвовала почти миллион долларов медицинскому комплексу Бет-Израэль в Нью-Йорке. «Мы хотели понять, могут ли медитация и ароматерапия улучшить результаты от традиционных методов лечения», – объясняет Донна.
В 2010 году Каран выпустила линию одежды, приуроченную к выходу первой коллекции мебели Urban Zen, сделанной вручную на Бали. «Мы стали работать с мастерами из Африки, Индонезии и Вест-Индии, чтобы сдвинуть чашу весов в сторону разумного потребления, – рассказывает Каран. – Сейчас, когда вокруг творится такой хаос, лучшее время, чтобы помогать, вдохновлять и творить. Одежда, которую я делаю для Urban Zen – это истинное отражение моего внутреннего “я”». Сегодня дизайнер полностью поглощена работой для своего бренда и смотрит на жизнь под другим углом. «В 2015 году я покинула пост главного дизайнера DKNY, и это было непростым шагом, – вспоминает Каран. – Сейчас я вижу свою карьеру в виде графика эволюции, который отражает, где я была в начале, как я шла и где оказалась сегодня. Тогда я делала бизнес, сегодня занимаюсь благотворительностью и путешествую. И это лучшее, что когда-либо случалось со мной».
Мария Крамм
